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Le haut-parleur à pavillon

In Gears, Public address, Sonorisation on January 19, 2011 at 10:10 pm

A three-way loudspeaker that uses horns in front of each of the three drivers: a shallow horn for the tweeter, a long, straight horn for mid frequencies and a folded horn for the woofer

Le haut-parleur à pavillon (ou corne) est la plus ancienne forme de haut-parleur. L’utilisation de cornes pour l’amplification de la voix (le mégaphone) remonte au moins au 17ème siècle, les cornes ont été utilisées dans les électrophones mécaniques dès 1857.

Le haut-parleur à pavillon utilise une forme de cône qui guide l’onde vers l’avant ou l’arrière du haut-parleur et qui permet d’accroître sa directivité et de transformer une onde de petit diamètre et très haute pression vers l’embouchure du pavillon ayant un plus grand diamètre et à l’état de basse pression.

Cela augmente la sensibilité du haut-parleur et le son se concentre sur une bande passante plus restreinte. La taille de la gorge, de l’embouchure, la longueur du pavillon, ainsi que la courbe de la corne, le long du cône (taux d’expansion) doivent être soigneusement choisies pour correspondre à la transformation sonore et à la bande de fréquences voulue (chaque pavillon fonctionne mal en dehors de ses  limites acoustiques (que ce soit pour les hautes ou basses fréquences). Pour qu’un pavillon puisse amplifier les graves ou les médiums graves, il faudra un cône d’une longueur certaine, ainsi qu’un large diamètre d’embouchure. Un pavillon “plié” permet réduire la taille totale, mais oblige les concepteurs à faire des compromis et à accepter quelques complications ainsi qu’une augmentation du coût de la construction. Certains modèles de pavillon sont conçus pour utiliser à la fois la corne proprement dite mais également le coin des murs de la pièce comme un prolongement de l’embouchure pour l’amplification des basses fréquences. Depuis la fin des années 1940, les pavillons utilisant ce procédé comme prolongement de l’embouchure sont très appréciés parmi les amateurs de hi-fi. Cependant son encombrement devient vite inacceptable dans une petite pièce, lorsque le haut-parleur possède deux ou plusieurs pavillons.

Il faut également savoir qu’un haut-parleur à pavillon peut avoir une sensibilité aussi élevée que 110 dB à 2,83 volts (1 watt sous 8 ohms) à 1 mètre de distance. Cela représente une amélioration du gain proche du centuple par rapport à un haut-parleur évalué à 90 dB de sensibilité. Cela est très précieux lorsque l’on a besoin de niveaux sonores élevés ou que les amplificateurs n’ont pas la puissance nécessaire.

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Exemple de Stage Plots (plan de sonorisation)

In Gears, Public address, Sonorisation on January 19, 2011 at 12:51 am

Celui-ci est particulièrement clair, on peut y ajouter simplement le nombre et l’emplacement des prises d’alimentation électriques et quelques DIs.

Autres exemples de plan de sonorisations:

Why Stage monitors, and public address system

In Gears, Public address, Sonorisation on January 18, 2011 at 12:06 am

Simply to familiarize ourselves with those strange accronisms in sound engineering. This article is about onstage monitor speakers for live performances.

Foldback (also called “stage monitors”) is the use of rear-facing heavy-duty loudspeakers known as monitor speaker cabinets on stage during live music performances. The sound is amplified with power amplifiers or a public address system and the speakers are aimed at the on-stage performers rather than the audience. This sound signal may be produced on the same mixing console as the main mix for the audience (called the FOH  ‘front of house‘ mix), or there may be a separate sound engineer and mixing console on or beside the stage creating a separate mix for the monitor system.

Without a foldback system, the sound that onstage performers would hear from front of house would be the reverberated reflections bouncing from the rear wall of the venue. The naturally-reflected sound is delayed and distorted, which would cause the singer to sing out of time with the band. A separate mixed signal is often routed to the foldback speakers, because the performers may also need to hear a mix without electronic effects such as echo and reverb (this is called a “dry mix“) to stay in time and in tune with each other. In situations with poor or absent foldback mixes, vocalists may end up singing off-tune or out of time with the band.

This small venue's stage shows an example of a typical monitor speaker set-up: there are three "wedge" monitors directed towards the area of the stage where singers will be performing. The drummer has both a subwoofer cabinet (for monitoring the bass drum and the electric bass) and a "wedge"-style cabinet for monitoring vocals and mid- or high-frequency sounds

For live sound reproduction during popular music concerts there are typically two complete PA systems: the “main” system and the “monitor” system. Each system consists of a mixing board, sound processing equipment, amplifiers, and speakers. The two systems usually share microphones and direct inputs using a splitter microphone snake. There is disagreement over when to call these audio systems Sound Reinforcement (SR) systems or Public Address (PA) systems. This distinction is important in some regions or markets, while in other regions or markets the terms are interchangeable.

The “main” system (also known as “Front of House“, commonly abbreviated FOH), which provides the amplified sound for the audience, will typically use a number of powerful amplifiers driving a range of large, heavy-duty loudspeakers including low-frequency speaker cabinets called subwoofers, full-range speaker cabinets, and high-range horns. A coffeehouse or small bar where singers perform while accompanying themselves on acoustic guitar may have a relatively small, low-powered PA system for the “mains”, such as a pair of two 200 watt powered speakers. A large club may use several power amplifiers to provide 1000 to 2000 watts of power to the “main” speakers. An outdoor rock concert may use racks of a number of power amplifiers to provide 10,000 or more watts.

The “monitor” system reproduces the sounds of the performance and directs them towards the onstage performers (typically using wedge-shaped monitor speaker cabinets), to help them hear the instruments and vocals. In British English, the monitor system is referred to as the “fold back“. The monitor system in a coffeehouse or singer-songwriter stage for a small bar may be a single 100 watt powered monitor wedge. In the smallest PA systems, the performer may set their own “main” and “monitor” sound levels with a simple powered mixing board. The simplest monitor systems consist of a single monitor speaker for the lead vocalist which amplifies their singing voice, so that they can hear it clearly.

In a large club where rock or metal bands play, the monitor system may use racks of power amplifiers and four to six monitor speakers to provide 500 to 1000 watts of power to the “monitor” speakers. In most clubs and larger venues, sound engineers and technicians control the mixing boards for the “main” and “monitor” systems, adjusting the tone, levels, and overall volume of the performance.

Larger clubs and concert venues typically use a more complex type of monitor system which has two or three different monitor mixes for the different performers. Each monitor mix contains a blend of different vocal and instruments, and an amplified speaker is placed in front of the performer. This way the lead vocalist can have a mix which forefronts their vocals, the backup singers can have a mix which emphasizes their backup vocals, and the rhythm section members can have a mix which emphasizes the bass and drums. At an outdoor rock concert, there may be several thousand watts of power going to a complex monitor system that includes wedge-shaped cabinets for vocalists and larger cabinets called “sidefill” cabinets to help the musicians to hear their playing.

 

 

Comment ajuster l’équilibrage du Son lors d’un concert

In Gears, Public address, Sonorisation on January 17, 2011 at 7:45 pm

L’équilibrage du son a pour seul but de régler correctement la balance et d’obtenir le « bon » son, mais lorsque la salle se remplie, lorsque le public est là,  vous aurez besoin de refaire quelques ajustements car deux choses ont fondamentalement changé. Premièrement, la présence du public modifie l’acoustique de la salle, et deuxièmement, le groupe qui sera sous adrénaline,  jouera probablement plus fort que prévu que lorsque les réglages sonores ont été faits, ceci conformément à ses volontés. Le public absorbe beaucoup de sons, en particulier les fréquences les plus élevées, il y aura donc une différence de tonalité par rapport à vos réglages initiaux, effectués lorsque la salle est vide.
Les voix sont alors susceptibles de se perdre dans cette nouvelle dynamique, et il vous faudra très certainement augmenter lentement leur volume sonore grâce à la table de mixage et ajuster les contrôles de tonalité afin d’obtenir plus de clarté.  Faire ces ajustements très lentement pour que le public ne perçoive pas de changements brusques. Vous pourrez également monter ou baisser le volume de la basse pour un meilleur équilibre global en faisant attention à ne pas perturber le groupe sur scène. Bien qu’il ait le dernier mot, l’ingénieur du son doit procéder à des ajustements techniques et non à des décisions artistiques, mais un groupe inexpérimenté oubliera souvent les niveaux sonores convenus et jouera beaucoup plus fort sous l’effet du stress du au public. Si c’est le cas, l’ingénieur aura soin de réinitialiser leurs niveaux sonores. Il y a cependant et malgré tout des moments où le groupe voudra jouer plus fort. Encore une fois les changements doivent être gradués – à moins d’un pépin évident, comme par exemple: un bouton de gain qui a été frôlé et s’est tourné vers 11 ou bien lorsque quelqu’un a oublié de commuter son interrupteur de stand-by! Cela arrive !

Au delà des problèmes de ce genre, l’ingénieur ne doit pas se mêler du son de retour de scène, le groupe doit être en mesure d’entendre constamment ce qu’il joue. A moins que le mixage sonore soit terriblement mauvais, les ajustements doivent être faits entre deux chansons pour que le public entende simplement une amélioration progressive et non pas un changement brutal. Intervenir au cours d’un concert n’est pas le bon moment pour demander aux membres de l’orchestre d’ajuster leur ton, leur volume, ou d’autres paramètres à moins qu’ils ne respectent vraiment pas leurs réglages préalables ou bien qu’ un facteur inattendu intervienne, nécessitant une correction importante. (De temps en temps, l’utilisation de l’un des instruments de sauvegarde ou d’autres questions techniques peut ainsi l’exiger). Un temps mort peut être une chance inespérée pour retrouver à nouveau la sonorité « sous contrôle », mais n’essayez surtout pas de refaire tous les réglages pendant le concert, mettez l’accent sur de simples ajustements pour faire face aux problèmes inattendus. Ceux-ci peuvent survenir avec les amplis de puissance, avec les moniteurs, et autres pannes de l’appareil (la «check-list » d’un groupe peut comporter plus de 100 matériels, d’ou de nombreuses sources de problèmes potentiels).

Voici différentes manières d’aborder les problèmes les plus courants qui surviennent lors d’un concert:

Résoudre la rétroaction (feedback)

Je ne parle pas ici du feedback individuel de chaque instrument tel que pour un guitariste, mais de celui de l’ensemble du groupe, lorsque le volume augmente, et que le son des haut-parleurs atteigne les microphones, il est de nouveau amplifié et refait le tour à nouveau, il est littéralement «renvoyé”, et amplifié à nouveau jusqu’à devenir un horrible hurlement. C’est le problème du feedback que vous devez éviter à tout prix et il vaut mieux prévenir que guérir! Une première ligne de défense préventive consiste à utiliser des micros décent vocales (tel que les Shure SM58S). Placez les micros bien éloignés derrière les haut-parleurs du PA (Public Address system) , et veillez à ce que ceux-ci ne soient pas dirigés vers les micros. Assurez-vous que le chanteur ne couvre pas le maillage  à l’arrière du micro avec la main et qu’il ne le plaque pas trop près du micro. Méfiez-vous des chanteurs qui se déplacent beaucoup sur la scène et qui inclinent les micros vers l’avant, en direction des hauts parleurs. Diriger l’arrière des micros en direction des moniteurs peut aider car ils sont conçus pour être moins sensibles, en ligne directe, dans ce sens. Baissez les commandes de volume l’une après l’autre pour identifier d’où la boucle de retour part. Ajuster les commandes de tonalité peut également aider. Essayez de déplacer les micros afin d’éviter toute résonance persistante. Lorsque tout échoue, baissez le volume général, curieusement, ce n’est souvent pas le problème principal.

Lorsque tout ressemble un peu à de la bouillie …

Il n’y a pas de véritable réponse à cela, mais vous vous rendrez vite compte lorsque tout semble un peu brumeux et vaseux. Deux raisons principales peuvent en être la cause. Un niveau élevé de son sur la scène: Lorsque qu’il est trop fort, les micros voix peuvent reprendre et amplifier les amplis instruments. Si le niveau sonore dépasse 90 dB sur scène, et il sera en général, alors une partie de ce son va couvrir la voix du chanteur. Ecoutez le PA lorsque le chanteur ne chante pas et vous pourrez identifier le son qui ne devrait pas être là. Cela transforme le son en de la boue et cela s’aggrave en raison du léger temps de retard induit. Déplacez donc les moniteurs de retour ligne afin qu’ils ne pointent pas directement vers les micros voix, cela aidera très certainement. Tout comme le retour ligne, avoir de bons micros vocaux change apporte une grande différence, ils n’accrocheront pas les sons errants et parasites comme peuvent le faire des micros moins chers, de type inférieur. Cela ne paie pas de faire des économies sur les micros voix.

La question de la tonalité:

L’objectif est de séparer les tonalités de chaque instrument de l’orchestre. Il faut savoir que : – Les Guitares avec trop de medium peuvent se confondre avec la voix. – Si les guitaristes ont leur tonalité basse élevée,  et encore plus particulièrement avec des enceintes ouvertes à l’arrière, et que le bassiste a la partie basse de son médium trop forte, il en résultera une énergie « heavy » qui dominera la scène, surtout s’il y a des claviers avec beaucoup d’accords pleins de la main gauche! Cela peut être une décision artistique, si vous voulez être exceptionnellement « heavy », mais expérimentez  plutôt toutes les options qui s’offrent à vous et optimisez les réglages pour obtenir une tonalité légère avec du relief si vous souhaitez avoir un son plus clair. Un système entièrement mixé vous offrira la possibilité de séparer tous les instruments dans l’espace en utilisant les commandes Pan. C’est une solution Idéale pour l’ingénieur du son à expérimenter avec le groupe, et à comparer avec un équilibrage du son qui peut prendre des heures.

Document pour impression

Comment utiliser les moniteurs pour obtenir une sonorité d’enfer lors d’un concert.

In Gears, Public address, Sonorisation on January 17, 2011 at 3:18 pm
(Rogers Jez)
Vous avez l’habitude de jouer et répéter dans votre garage ou dans une petite salle de répétition,  vous possédez déjà votre matériel, vos amplis. et tout semble en ordre et sous contrôle. Mais aujourd’hui vous avez la chance de jouer sur une véritable scène ou dans un bar. Est-ce bien difficile? Eh bien, si vous pensez que tout ce que vous avez à faire est de remettre en place votre matériel habituel et de jouer comme vous le faites lors de vos répétitions, il y a 99% de chances pour que cela tourne à la catastrophe. De nombreux orchestres ont une très mauvaise sonorité lors de leurs premiers concerts car la mise en place et le réglage de leurs amplificateurs de puissance n’est pas adaptés, ils se retrouvent à jouer faux, désynchronisés et hors tempo.

Pourquoi cela? C’est à cause du monitoring – ou pour être plus précis, un manque de monitoring! Le chanteur chantera juste uniquement s’il s’entend chanter. Le guitariste ne pourra placer ses accords, ses solos avec précision seulement s’il entend le son de sa guitare. La basse et la batterie ne pourront jouer précisément ensemble seulement et seulement si elles peuvent s’entendre l’une et l’autre, et pour que chaque membre de l’orchestre puisse savoir ou l’on en est dans la chanson, il faut qu’il puisse entendre l’ensemble du groupe. C’est fondamentalement différent de l’espace confiné d’un garage ou de votre petite salle de répétition et cela peut vraiment vous jouer un mauvais tour. Vous aurez beaucoup de mal pour entendre le son d’ensemble et peut être même à vous entendre jouer. Peu importe si vous êtes tous d’excellents musiciens, et si vous avez beaucoup répété, vous finirez tous désynchronisés, jouant faux et ne pensant qu’à une seule chose : Souhaiter être resté à la maison. Lorsque votre sonorisation sur scène est mauvaise, le fait de l’amplifier ne fera qu’augmenter le malaise auprès du public.

Pour les orchestres de trois à six personnes avec des guitares, une basse électrique, un batteur, un sax, un clavier et éventuellement un chanteur et en jouant dans de petites salles avec un public de moins de 200 personnes (un scénario classique), vos besoins d’amplification sont de trois ordres:
1) Le retour en ligne – incluant les amplis guitares et amplis basse, la batterie
2) Les moniteurs – Ce sont les haut-parleurs situés sur la scène  vous retournant votre son propre.
3) Le PA – (Public Address, l’étage de puissance orienté vers l’audience), le son amplifié frontal, ce que le public entend.
Notez que 1) et 2) créent votre sonorité sur la scène  et  que 3) amplifie cette sonorité en direction de l’audience. Examinons les un par un :

Le retour en ligne (Backline)
Vous aurez besoin de 30 à 50 watts RMS pour votre guitare pour avoir un niveau sonore équivalent à celui de la batterie. La basse, elle, a besoin de 50 à 100 watts de puissance. Et si vous utilisez des claviers, ils auront besoin de 100 watts s’ils sont inclus dans le retour en ligne, sinon, si vous choisissez de faire passer les claviers directement par PA en son frontal, un mélangeur (mixer) sera nécessaire pour qu’ils ne perturbent pas le chanteur.

Les éléments qui n’ont pas de contrôle de volume, à savoir : la batterie et la voix, doivent maintenant être pris en considération. Pour le chant, vous aurez besoin d’un système d’amplification qui délivre un son supérieur aux guitares, basse et batterie en direction de la salle pleine de gens qui absorbent le bruit. (Il faut savoir que le public absorbe les hautes fréquences aigues plus efficacement que les fréquences basses), le PA est donc avant tout primordial pour la voix, mais également pour les claviers,  et pour la batterie si son amplification se fait par l’intermédiaire d’un microphone.

Moniteurs
Vous avez besoin de moniteurs de scène pour que les chanteurs puissent entendre leur voix et que le reste de l’orchestre puisse entendre les chanteurs. Un moniteur est un haut-parleur, souvent de petite taille et/ou en forme de coin, placé à l’avant de la scène et dirigé vers le chanteur sans qu’il soit devant lui, ils sont généralement monté sur un stand (ou surélevé sur une calle) pour mieux projeter le son. Ajouter plusieurs autres moniteurs afin que le reste de l’orchestre puisse entendre le chanteur et positionner l’un d’eux près du batteur. Vous aurez besoin d’amplificateur (s) de puissance pour driver le ou les moniteurs même s’il (s) ne doit pas être aussi puissant que le PA de puissance. Si vous avez d’autres instruments acoustiques supplémentaires, vous devrez les faire passer par des moniteurs supplémentaires. Choisissez des moniteurs d’environ 100W.

Vous avez le choix entre des moniteurs actifs incluant un amplificateur ou une des haut-parleurs séparés (moniteurs passifs) associés à des amplis de puissance. IL est important de comprendre, également, que votre ampli de guitare et votre ampli de basse sont, sur scène, des moniteurs! Vous devrez les régler afin que vous puissiez vous entendre et entendre également les autres membres du groupe, et que ceux-ci vous entendent aussi bien qu’ils s’entendent eux-mêmes. C’est la partie la plus délicate. Il arrive qu’une rivalité  concernant le son s’installe sur scène, chacun voulant jouer plus fort que l’autre, c’est malheureusement le public qui en souffre. Ne faites pas l’erreur de monter vos amplis trop fort pour impressionner le public, vous ne ferez que déséquilibrer la sonorité du groupe. Dans des petites salles  et pour des orchestres essentiellement acoustiques, les moniteurs peuvent être tournés partiellement vers l’auditoire pour diriger leur son vers le public.

Il vous faut maintenant envisager les questions du contrôle et de la balance (équilibre entre les instruments). Première décision à prendre: Soit vous équilibrez la ligne de retour avec la batterie, soit vous amplifiez la batterie avec un microphone et équilibrez (réglez la balance) en passant par l’étage PA de puissance. Il y a des compromis possibles lorsque l’on joue dans de petites salles où il peut être plus judicieux d’utiliser simplement un microphone pour la grosse caisse.

PA (Public Address)
Le PA est pour le chanteur ce que l’amplificateur est pour le guitariste, et bien plus encore car tout ce qui passe par le PA passe par une table de mixage. De nos jours, une table de mixage capable de gérer tout un orchestre vaut le prix d’une guitare bas de gamme et étant donné que de nombreux espaces, même les plus petites salles, possèdent désormais leur propre PA système, y compris une table de mixage, vous devrez savoir les utiliser, quoiqu’il arrive. A ce stade, si vous avez seulement la voix à faire passer par le PA, vous n’aurez besoin que de 100W par canal et un couple de haut-parleurs à large bande avec des stands. Les conférenciers ont eux une enceinte avec des hauts parleurs de dix, douze ou quinze pouces pour les graves et une corne pour les notes aigues. Il vous faudra surélever les pavillons au dessus du public car les personnes à l’avant de la salle absorbent tous les aigus, aplatissant, brouillant le son pour le reste de la salle. C’est la raison pour laquelle la plupart des PA sont surélevés sur des stands, utilisez les! Assurez vous également que les enceintes soient bien placées devant le chanteur sinon le son de retour en ligne pourrait dominer le micro voix et créer une boucle de rétroaction (ou larsen). Si vous avez réglé correctement votre retour en ligne sur la scène, vous n’aurez pas ce problème, et si vous l’avez, vous connaissez maintenant la solution : Baissez le niveau sonore du retour en ligne!

Jez Rogers est un guitariste / chanteur qui par l’intermédiaire de sa compagnie Sea offre ses services pour la sonorisation des orchestres, et les équipements pour la scène et l’enregistrement des performances live.  Rogers Jez 2009
Source de l’article: http://EzineArticles.com/?expert=Jez_Rogers

Egalement:

The Original Gibson Guitar catalog edited in 1963

In Gears on January 3, 2010 at 11:32 am

The Original Gibson Electric Guitar Catalog (1963)

Fender Pro Reverb Original Instruction Manual

In Gears on January 3, 2010 at 10:38 am

Fender ProReverb Amp Instruction Manual

Just click the link to download.

The Fender ProReverb Instruction Manual

Dating Fender Amps – Using the Fender Tube Chart

In Gears on January 2, 2010 at 2:03 pm

Fender Logo

Look inside the amp (but don’t stick you hand in there, even after being unplugged the amp may retain a dangerous electrical charge), there should be a tube chart on most amps.  On this chart there is a hand stamped date code consisting of 2 letters.   For example AD would be April 1990 and DG would be July 1954.

Fender Amp Date Codes

Letter Code

Vintage Year

Reissue Year

Month

A

1990

January

B

1991

February

C

1953

1992

March

D

1954

1993

April

E

1955

1994

May

F

1956

1995

June

G

1957

1996

July

H

1958

1997

August

I

1959

1998

September

J

1960

1999

October

K

1961

November

L

1962

December

M

1963

N

1964

O

1965

P

1966

Q

1967

Jim Hall Gears in 1993

In Gears on July 20, 2009 at 9:05 am
Jim Hall gear - Blue Note NY - March 9th 1993 01 par chimsrichalds007

Jim Hall’s amplifier and speaker rig for his gig at the Blue Note March, 9 1993

Walter Woods Mi 100 amp
Harry Kolbe ported speaker cabinet
Alesis Microverb
Digitech Whammy WH1

from:http://www.flickr.com/photos/chamesrichalds007/3731821089/in/set-72157621484896053/

How much for a vintage Fender Pro Reverb nowdays?

In Gears on February 26, 2009 at 12:39 pm

eBay Selling Price History for Blackface Pro Reverb (US Dollars)

Average eBay selling prices for amps in very good or better condition and with no or only common maintenance changes (caps, resistors, speakers, wires/cords).

Blackface.

Avg Model Year Price $

Year

Qty sold

Avg Price $

1964

1

662

1965

33

1,647

1966

40

1,495

1967

28

1,450

4 Years

102

1,524

Avg Monthly Price $

Month

Qty sold

Avg Price $

2009-06

4

1,375

2009-05

3

1,200

2009-04

3

1,620

2009-03

4

1,482

2009-02

8

1,234

2009-01

10

1,463

2008-12

2

1,313

2008-11

5

1,695

2008-10

3

1,330

2008-09

3

1,892

2008-08

4

1,480

2008-07

1

1,625

2008-06

5

1,609

2008-05

2

1,713

2008-04

3

1,499

2008-03

6

1,782

2008-02

7

1,764

2008-01

3

1,350

18 Months

76

1,523

Pro Reverb vintage  price blackface

Pro Reverb vintage price blackface

Silverface

Avg Model Year Price $

Year

Qty sold

Avg Price $

1967

1

1,192

1968

24

981

1969

8

936

1970

1

999

1971

6

635

1972

10

710

1973

13

787

1974

10

729

1975

5

673

1976

10

646

1977

3

691

1978

22

579

1979

11

566

13 Years

124

746

Avg Monthly Price $

Month

Qty sold

Avg Price $

2009-06

5

768

2009-05

3

783

2009-04

5

752

2009-03

4

784

2009-02

5

806

2009-01

6

714

2008-12

4

881

2008-11

7

698

2008-10

3

729

2008-09

6

728

2008-08

2

700

2008-07

6

677

2008-06

3

763

2008-05

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2008-04

3

764

2008-03

14

793

2008-02

12

652

2008-01

2

1,006

18 Months

94

752

Pro Reverb vintage  price (silverface)

Pro Reverb vintage price (silverface)

prix vente achat fender pro reverb occassion, ebay, revente ampli fender occasion